波普艺术是20世纪50年代末和60年代受到商业和流行文化启发的一种艺术运动。

这场运动受到西方世界流行文化和商业文化的启发，开始于对传统艺术形式的反叛。

虽然波普艺术没有特定的风格或态度，但它被定义为对战后时代由商品驱动的价值观的多样化回应，经常使用常见的物体(如漫画、汤罐、路标和汉堡包)作为主题或作为作品的一部分。

波普艺术的特点往往是大胆的色彩，尤其是原色:红、蓝和黄。颜色通常是明亮的，类似于你典型的漫画调色板。这些颜色不像以前的古典艺术形式那样用来表现艺术家的内心世界或自我，而是反映了它们周围充满活力的流行文化。

在许多方面，波普艺术运动开始时是一种学术探索。1952年至1955年，一群艺术家、建筑师和设计历史学家定期在伦敦的当代艺术研究所(Institute of Contemporary Art)会面，讨论不同的话题，比如汽车造型或纸浆杂志。他们自称为“独立小组”，致力于发展对文化的广泛理解，从所谓的“高级”形式到通俗形式。

波普艺术兴起于20世纪50年代中期的英国和50年代后期的美国，在20世纪60年代达到顶峰。它开始于对主流的艺术和文化方法以及对艺术应该是什么的传统观点的反抗。年轻的艺术家们觉得，他们在艺术学校里学到的东西，在博物馆里看到的东西，与他们的生活或每天在他们周围看到的东西没有任何关系。他们转而从好莱坞电影、广告、产品包装、流行音乐和漫画书等来源获取图像。

波普艺术这个词是英国策展人劳伦斯·阿洛维在1955年发明的，用来描述一种新的“流行”艺术形式——一种以消费主义和流行文化的意象为特征的运动。波普艺术在20世纪50年代中期出现在纽约和伦敦，并成为主导前卫风格直到60年代末。它的特点是大胆、简单、日常意象和充满活力的色块，看起来很有趣，有一种现代“时尚”的感觉。明亮的色彩方案也使这种形式的前卫艺术强调当代文化中的某些元素，并有助于缩小商业艺术和美术之间的差异。它是第一个后现代主义运动(媒介和信息一样重要)，也是反映电影和电视力量的第一所艺术学校，许多最著名的图像都是从电影和电视中获得名气的。流行偶像的常见来源是广告、消费品包装、电影明星、流行明星和其他名人的照片以及连环漫画。

纽约艺术家如安迪·沃霍尔、罗伊·利希滕斯坦、詹姆斯·罗森奎斯特和克拉斯·奥尔登伯格开始定义什么会成为国际现象，他们创作的作品灵感来自大众文化、日常用品和名人崇拜，试图模糊高雅艺术和低级文化之间的界限。

安迪·沃霍尔(Andy Warhol)懂得购物，也懂得名人的魅力。这些对二战后的痴迷共同推动了经济的发展。从购物中心到《人物》杂志，沃霍尔捕捉到了一种地道的美国美学:包装产品和人。这是一个深刻的观察。在公众面前炫耀是最重要的，每个人都想要成名十五分钟。

在法国，波普艺术以新现实主义的形式出现，评论家皮埃尔·雷斯塔尼将其定义为感知现实的新方式。艺术家阿尔曼拒绝了他早期的抽象绘画风格，而是喜欢用找到的或废弃的人造物品创作雕塑。

在德国，“资本现实主义”一词被用来定义受美国流行音乐影响的艺术家，这些艺术家由西格马尔·波尔克(Sigmar Polke)创立，包括成员格哈德·里希特(Gerhard Richter)和康拉德·吕格(Konrad Lueg)，他们带着一种众所周知的讽刺审视和剖析了流行文化意象和摄影。

在日本，波普艺术是从该国著名的前卫艺术发展而来的。古贺茂名(Harue Koga)在20世纪20年代末和30年代初创作了蒙太奇风格的油画，从杂志上复制了现代世界的图像，为波普艺术的元素打下了伏笔。日本古泰运动促成了1958年在玛莎·杰克逊的纽约画廊举办的古泰展，在此之前两年，她举办了著名的新形式新媒体展，让波普艺术声名鹊起。

俄罗斯成为波普艺术运动的一部分有点晚，一些类似波普艺术的艺术作品是在20世纪70年代初才出现的，当时俄罗斯还是一个共产主义国家，大胆的艺术声明受到密切关注。俄罗斯自己版本的波普艺术是以苏联为主题的，被称为Sots艺术。

波普艺术被批判性地接受为一种艺术形式，适合于高科技、大众媒体导向的西方国家社会。尽管公众最初并没有把它当回事，但到20世纪末，它已经成为最受认可的艺术运动之一。